Le mot « design » n’a fait son apparition dans la langue française qu’au XXe siècle, bien après que ses pratiques aient émergé sous d’autres appellations. Avant cela, les savoir-faire liés à la conception d’objets utilitaires relevaient d’expressions comme « arts industriels », « arts appliqués » ou « dessin industriel », selon les époques et les contextes.Cette multiplicité des noms reflète des enjeux sociaux, économiques et culturels distincts, souvent contradictoires. Derrière chaque terme, une vision différente du rapport entre fonction, esthétique et production. L’évolution de ces appellations signale des basculements majeurs dans la manière de penser la création et l’innovation.
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Aux origines du design : des arts appliqués à la naissance d’un concept
Le design n’a pas surgi de nulle part. Il s’est tissé au fil du temps, dans le sillage des arts appliqués et arts décoratifs à la charnière du xixe siècle. À Paris, les ateliers bourdonnent, les manufactures s’activent, les salons dévoilent chaque saison leur lot d’audace. L’Art Nouveau explose dans l’espace public : l’inspiration végétale se répand, les formes organiques s’invitent sur le mobilier, les motifs floraux et lignes courbes deviennent des signatures. Cette esthétique radicale porte un projet : faire dialoguer l’art et le quotidien, sans frontières.
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Quelques figures incarnent cette ambition, chacune à leur façon :
- Émile Gallé, maître verrier et ébéniste lorrain, sublime la matière bois et le verre. Ses créations, entre prouesse technique et audace créative, témoignent d’un souci d’innovation constant.
- Louis Majorelle et Eugène Vallin, piliers de l’école de Nancy, défendent une valorisation de l’artisanat. Leur engagement transforme chaque pièce en manifeste pour un savoir-faire renouvelé.
- Hector Guimard, à Paris, laisse son empreinte sur les stations de métro. Les arabesques de fonte, les meubles aux lignes sinueuses : partout, l’utile se met au service du beau.
L’Art Déco, dans l’entre-deux-guerres, impose un nouveau langage. Les courbes s’effacent au profit de la géométrie, de la symétrie, des matériaux précieux venus d’ailleurs. Jacques-Émile Ruhlmann élève l’ébène, l’ivoire et le galuchat au rang d’icônes. Eileen Gray et Jean-Michel Frank choisissent la sobriété, l’épure, préparant le terrain à l’avènement du design industriel.
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Ce glissement, de la décoration à la fonctionnalité, s’accélère sous l’impulsion du mouvement Arts & Crafts, initié par William Morris en Angleterre. Ce courant irrigue l’Europe, brouille les frontières entre meubles d’art, objets utilitaires et architecture. Le mot « design » reste absent, mais l’idée d’un projet où esthétique et usage se répondent s’impose peu à peu.
Comment le terme « design » a-t-il émergé et évolué au fil des époques ?
« Design » arrive tardivement dans le français courant, alors même que la discipline existe déjà sous d’autres bannières. À la fin du xixe siècle, on parle encore d’arts décoratifs ou d’arts appliqués. Mais la vague moderniste va changer la donne. À partir des années 1920, l’Allemagne fait figure de laboratoire avec le Bauhaus. Le terme évolue : la décoration s’efface, la fonction prend le dessus. Le fonctionnalisme et le modernisme deviennent les nouveaux moteurs.
En France, Le Corbusier cristallise cette évolution. Avec Charlotte Perriand, il invente un mobilier résolument tourné vers l’usage, l’ergonomie, la fabrication en série. Jean Prouvé traduit l’idée d’industrialisation du mobilier dans ses pièces emblématiques. Après 1950, le « design » s’émancipe du seul mobilier pour s’étendre au graphisme, à l’architecture intérieure, aux objets de tous les jours.
Le langage se diversifie. Dans les années 1960, le design pop explose : couleurs franches, formes libres, matériaux innovants, signatures comme Pierre Paulin ou Olivier Mourgue. Puis viennent le postmodernisme, le minimalisme, l’éclectisme. Aujourd’hui, le design global s’impose : l’objet n’existe plus isolé, il dialogue avec son environnement, intègre la durabilité, la technologie. Des noms comme Philippe Starck, India Mahdavi, Ronan & Erwan Bouroullec illustrent cette richesse. Le mot « design » s’est mondialisé, mais sa signification reste mouvante, en perpétuelle mutation.
L’impact des grandes révolutions industrielles et culturelles sur la pratique du design
Le XXe siècle secoue la création, bouscule les repères. Le Bauhaus de Walter Gropius invente une alliance inédite : art, architecture, industrie fusionnent pour donner naissance à l’objet moderne. Inspirée par le mouvement De Stijl de Theo Van Doesburg et Piet Mondrian, l’école allemande vise la pureté formelle, l’universalité, une esthétique débarrassée du superflu. Marcel Breuer crée le fauteuil Wassily, Mies van der Rohe dessine le fauteuil Barcelona : ces pièces manifestent une ère où chaque objet industriel raconte l’esprit de son temps.
Les conflits mondiaux rebattent les cartes. La reconstruction favorise la diffusion du design industriel, fait émerger des éditeurs comme Cassina, Kartell, Vitra, Magis, Zanotta ou Tolix. Ces maisons accompagnent l’évolution des idées, éditent du Le Corbusier et Charlotte Perriand jusqu’aux collections signées Bouroullec, Philippe Starck, Noé Duchaufour-Lawrance ou Patrick Norguet.
Le XXIe siècle apporte de nouveaux défis. Les préoccupations éthiques grandissent : le design durable, l’upcycling, le design numérique deviennent des pratiques courantes. Réduire l’impact environnemental, transformer les matériaux usés, intégrer la technologie : autant de pistes qui poussent à réinventer la discipline. Le design se retrouve désormais au carrefour de l’urgence écologique et de l’innovation digitale, questionnant sans relâche son propre rôle.
Quand le mot « design » circule à travers les âges, il emporte dans son sillage les rêves, les ruptures, les utopies de chaque époque. Sa trajectoire raconte bien plus qu’une simple histoire de formes : elle capture nos manières de penser le monde, de le transformer, et de le questionner, sans jamais s’arrêter.
